50 Aniversario de Lawrence de Arabia

Hoy se cumplen 50 años del estreno de esta obra maestra del gran David Lean.

El desorden de los sentidos

El pasado 30 de noviembre se celebró en Córdoba el pre-estreno de El desorden de los sentidos, un documental de La Maleta Proyectos Culturales, que nos muestra el viaje de dos discapacitados a través del Camino de Santiago.

Antonio tiene 13 años y, aunque tiene sus sentidos intactos, sufre parálisis cerebral. Gerardo tiene 34 años y su capacidad cognitiva es normal, pero es sordociego. Ambos han compartido la experiencia de peregrinar en bicicleta por la ruta francesa del Camino de Santiago, pero no lo han hecho solos. Antonio iba acompañado por su padre, Javier Luque, que pedaleaba en una bicicleta adaptada para él. Gerardo compartió el esfuerzo con Javier Pitillas, su amigo y entrenador.

Dirigido por Alejandro G. Salgado, que también escribió el guión junto a Juan José Mulero, El desorden de los sentidos promete ser una experiencia audiovisual llena de humanidad que nos hará descubrir nuevas formas de percibir la vida.

Para obtener más información, visitad los siguientes enlaces:
 http://discamino.redestable.com/
 http://eldesordendelossentidos.wordpress.com/

El Personaje: Casco Oscuro

Rick Moranis fue uno de los rostros con más personalidad en la comedia americana de los años 80 y principios de los 90. Cualquiera de sus personajes merecería el protagonismo en esta entrada, desde Louis, el pequeño contable convertido en el Maestro de las llaves en Cazafantasmas (Ivan Reitman - 1984); hasta el Dr.Szalinski, el excéntrico científico que convirtió a sus hijos en seres diminutos en Cariño, he encogido a los niños (Joe Johnston - 1989).
Sin embargo, si hubiera que elegir a uno, yo sin duda me quedaría con el inolvidable Casco Oscuro, álter ego disparatado de Darth Vader, que tanto nos hizo reír en esa fantástica parodia de Star Wars titulada La loca historia de las galaxias (Mel Brooks - 1987). 

Pese a su pequeña estatura, su aspecto bobalicón, y su gusto por jugar a los muñecos de la propia película; Casco Oscuro también podía llegar a ser temible, sobre todo si alguno de sus 'Estúpidos' subordinados trataba de subestimarle.

'O Apóstolo': Stop motion made in Spain

O Apóstolo es una película que ahora mismo debería estar en boca de todos, no sólo por su calidad cinematográfica, sino por tener el mérito de ser el primer largometraje europeo hecho en stop motion estereoscópico. Es decir, que se ha rodado con muñecos, captando cada uno de sus movimientos fotograma a fotograma, y encima en 3D. El esfuerzo de hacer todo un largometraje así es simplemente colosal; de hecho, para llevarla a cabo más de 200 personas estuvieron trabajando durante tres largos años. Los resultados, a juzgar por el trailer, dan muestras de una gran calidad artística. No en vano, la cinta ha cosechado premios a lo largo y ancho del planeta, en los festivales de Moscú, Marsella, Buenos Aires y Málaga.

Sin embargo, quien quiera acercarse a los cines para juzgarla por sí mismo lo tendrá complicado, puesto que la obra sólo ha podido ser distribuida hasta el momento en un puñado de salas españolas. Los pormenores de la mala planificación en la distribución los podréis leer en este artículo de  la revista Fotogramas.  Enlace al artículo.

Este caso ilustra una vez más el desafío que supone en un país como España apostar por el talento y la innovación, no sólo en el sector audiovisual, sino en cualquier ámbito. Esta falta de fe y menosprecio por todo lo que se haga dentro de nuestras fronteras es justo lo que nos ha llevado a la situación en que nos encontramos. Por todo esto, se está realizando una campaña de recogida de firmas para intentar que O Apóstolo pueda exhibirse como se merece.
Enlace a la petición.

Al parecer se está preparando también una versión americana del film, que podría contar con la voz de actores como Gary Oldman, John Goodman e incluso George Clooney. Así que esperemos que al menos O Apóstolo pueda contar fuera de nuestras fronteras con un mayor apoyo del que ha encontrado aquí.

La fantasía en los 80: Los Exploradores

De toda la vida ha sido bien conocido por todos el gusto de los niños por construir sus propios refugios. Una caja de cartón, una mesa camilla o los cojines del sofá fueron siempre más que suficientes para que cualquier pequeño tuviera una tarde de lo más entretenida y emocionante. De este modo, conforme los chiquillos se iban haciendo mayores, el ímpetu chabolista les llevaba a emprender obras más complejas con la ayuda de sus amigos, o incluso sus padres. Así, los más privilegiados entre los chavales quizás podían disfrutar de una casita en el árbol de su jardín, pero la mayoría se había de conformar, como mucho, con una choza construida en algún descampado con  chatarra, maderas y mobiliario variado, recogido del contenedor de basura o de alguna obra.
Obviamente esto hoy en día se ha perdido en gran medida, porque aun en el caso de que se pudiera convencer a los niños de que hay cosas mejores que la PSP, la recogida de chatarra en la actualidad tiene una competencia desmedida. Y una 'obra', entendida como lugar donde se construye un edificio, es un concepto casi mitológico para la mayoría de los infantes.

Sea como fuere, lo cierto es que aquellos refugios construidos artesanalmente suponían un lugar donde no había reglas ni límites. Donde se disponía de una simulada independencia, y se abría una ventana a la imaginación, pero que podías cerrar en cuanto te apeteciera ir a tu verdadera casa a tomarte un bocata de nocilla recién hecho por tu madre.

En 1985, alguien en Hollywood tuvo la brillante idea de tomar esta pasión juvenil y elevarla a su quinta esencia. ¿Imaginan qué supondría para un niño poder soñar que puede construir junto a sus amigos su propia nave espacial con la que surcar el espacio exterior? La respuesta la saben muchos de los que crecimos en los 80. Su nombre: Los Exploradores.

La película fue dirigida por un habitual en la ciencia ficción juvenil de la época: Joe Dante, que un año antes había cosechado el que sería su mayor éxito: Gremlins. Pero especialmente destacable es su reparto, donde encontramos a unos jovencísimos Ethan Hawke y River Phoenix interpretando sus primeros papeles en el cine.

Ethan Hawke y River Phoenix en una escena de la película.

Los Exploradores es una de esas películas que a muchos nos encantaron de pequeños, y cuyo recuerdo nos llena de nostalgia, pero que al volver a ver después de muchos años seguramente decepcionará a muchos. Y es que, a diferencia de otras cintas de la época como Los Goonies o La princesa prometida, es difícil disfrutar plenamente con ella sin la ingenuidad y fantasía propia de un niño. 

Analizada a día de hoy, la primera parte del filme aún sigue teniendo cierto gancho, sobre todo el proceso de construcción de la nave espacial y su viaje inaugural, en el que destrozan medio pueblo. Y el personaje del niño científico, interpretado por Phoenix, encandila a cualquiera con su impresionante manejo del ordenador, haciendo que la informática resulte más fascinante que cualquier sortilegio de Harry Potter. Sin embargo, la parte final, cuando contactan con unos excéntricos extraterrestres teleadictos, acaba por resultar decepcionante incluso para los propios personajes de la trama.

Pese a todo,  Los Exploradores fue una de esas maravillosas películas ochenteras que merecen la pena ser recordadas, aunque sólo sea por esas inolvidables sobremesas que nos brindaban los fines de semana, haciéndonos soñar con increíbles aventuras que luego tratábamos de revivir con nuestros amigos en la calle.

Nuevos trailers: 'Django' y 'Los Miserables'

Este invierno va a estar cargado de estrenos muy interesantes.
Por un lado, se está generando una gran expectación entre los fans de Quentin Tarantino, que por fin se adentra de lleno en el  mundo del western con Django, desencadenado.

Por otro lado, tenemos a la que puede ser la gran sorpresa del año: Los Miserables. Adaptación al cine del exitoso musical basado en la novela de Victor Hugo. Dirigida por Tom Hooper (El discurso del rey) y protagonizada por Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway. La cosa promete.

Un rodaje de 'locos' II: Fitzcarraldo

Tras la tormento y el éxtasis que supuso la filmación de Aguirre, La Cólera de Dios, sobre el cual ya escribí una entrada anterior; Werner Herzog y Klaus Kinski volvieron a internarse juntos en la Selva Amazónica para abordar uno de los rodajes más increíbles que se han llevado a cabo: Fitzcarraldo.

La película trata sobre la historia real de Isaías Fermín Fitzcarrald, un comerciante de caucho y amante de la música, obsesionado con construir un teatro de la ópera en Iquitos, en pleno Amazonas peruano. Para obtener el capital necesario, Fitzcarrald trató de abrir una nueva ruta comercial entre dos ríos que en un determinado punto fluían a tan sólo 11 km el uno del otro, lugar que hoy día se sigue llamando el Istmo de Fizcarraldo. Para demostrar la valía de su descubrimiento y encontrar financiación para hacer una carretera que uniera ambos ríos, Fitzcarrald se llevó un barco e hizo que lo transportaran por el istmo; un camino en el que hubo que subir alturas de hasta 500 metros y en el que tardaron dos meses trabajando centenares de indios y blancos.

Cuando Werner Herzog conoció la historia de Fitzcarrald, en seguida se sintió atraído hacia esa 'conquista de lo inútil' que suponía la epopeya del cauchero peruano. Curiosamente, Herzog escribió el guión de la película en la casa de Francis Ford Coppola, que hacía poco también había estado en la jungla jugándose la salud (tanto física como mental) en el tortuoso y célebre rodaje de Apocalypse Now.
El cineasta alemán presentó el proyecto a los directivos de la Fox y recibió su visto bueno, ya que todos daban por hecho que la película se haría en un estudio, con maquetas y efectos especiales. Pero Herzog dijo que no, que su obra se rodaría en plena selva y con un barco de verdad subiendo una colina. Esto hizo que los estudios se replanteasen financiar un proyecto de tan alto riesgo, y Herzog tuvo que buscar dinero hasta de debajo de las piedras, e incluso arruinarse gastando su fortuna personal, para conseguir hacer las cosas a su manera.
Posiblemente, los directivos de los estudios se hubiera ahorrado tiempo y esfuerzos si previamente hubieran investigado un poco sobre el tipo de persona que les pedía apoyo.

Fotograma de También los enanos empezaron pequeños

Durante una de sus primeras películas, titulada También los enanos empezaron pequeños (1970); Werner Herzog, como de costumbre, hizo pasar serios apuros a los actores. Así que para demostrarles lo consciente que era del riesgo que corrían y dejar bien claro que él era el primero en dejarse la piel en el proyecto, Herzog apostó que si al final el rodaje salía bien se tiraría desnudo sobre un cactus. Al parecer aún tiene en el interior de sus rodillas algunas púas alojadas.

En otra ocasión, se fue a filmar a una pequeña isla que había sida evacuada ante la inminencia de una erupción volcánica, para crear el documental: La Soufrière (1977). Y más recientemente, el cineasta protagonizó dos curiosos acontecimientos en los Estados Unidos. El primero fue la hazaña de rescatar al actor Joaquin Phoenix tras haber sufrido un accidente de tráfico; el segundo, haber recibido un disparo de una escopeta de aire durante una entrevista, y haber continuado la entrevista sin siquiera pasar por el hospital.

Pero quizás la anécdota  más peculiar y que mejor demuestran el gusto por los desafíos y la determinación extrema de Werner Herzog, es esa vez que se comió literalmente su propio zapato: Al parecer, quería motivar a su amigo Errol Morris, que carecía de dinero ni equipo para rodar, así que le apostó que si acababa su documental, él se comería su propio zapato. Así que en 1980, cuando  Morris estrenó su documental Gates of Heaven, Herzog cumplió su palabra, tal como atestigua la pequeña película con el que Les Blanc inmortalizó el momento.

- Pueden ver el documental completo aquí (en inglés)

Con tales antecedentes, ya pueden suponer que este cineasta aventurero no paró hasta conseguir rodar Fitzcarraldo a su gusto, aunque para ello tuviera que pasarse tres años en la jungla. Las dificultades fueron muchas y, afortunadamente, esta vez quedaron registradas en un maravilloso documental de Les Blanc titulado Burden of dreams. 

A finales de 1979, tras haber encontrado una localización perfecta y haber estado un mes montando el campamento y haciendo preparativos, Herzog y su equipo tuvieron que huir a toda prisa, ante la hostilidad de los habitantes de la región, que les habían amenazado de muerte y tras su huida quemaron el campamento. Hasta trece meses más tarde no encontraron otra localización adecuada y pudieron comenzar el rodaje, que contó como protagonistas a Jason Robards como Fitzcarrado, y a Mick Jagger encarnando a su ayudante. Sin embargo, varias semanas más tardes Robards enfermó de disentería y tuvo que volver a los Estados Unidos. El rodaje tuvo que suspenderse de forma indefinida y Jagger tuvo que abandonar para iniciar una gira musical.
Fue el peor varapalo para Herzog, que ya tenía filmado una 40% de la película, pero que tuvo la fortaleza para volver a filmarla desde el principio, alegando que si abandonaba este proyecto, sería un hombre sin sueños.

Jason Robards y Mick Jagger rodando Fitzcarraldo

De este modo, con un empeño similar al del mismo Isaias Fitzcarrald, el director dio con Klaus Kinski, su 'mejor enemigo', quien al parecer estaba destinado inexorablemente a encarnar al cauchero peruano.
Cualquiera que ya esté puesto en antecedentes sobre el polémico actor, podrá suponer que acabó siendo una de las mayores fuentes de conflictos durante el rodaje, como ya pasara en Aguirre, La cólera de Dios.
Como de costumbre, Kinski, solía desatar su furia y su incontinencia verbal cuando uno menos lo esperaba. Así que esta vez, fueron unos indios que hacían de extras quienes le propusieron a Werner Herzog matar al actor por él. El director se negó, lógicamente, pues sin él sería imposible acabar la película, aunque pronto se arrepintió de su negativa. Uno de estos ataques de ira fue filmada por Les Blank en su documental. En este caso, todo se debió a que no le gustaba la comida.

Sin embargo, el auténtico reto de la película llegó a la hora de filmar la secuencia en que el barco de vapor era arrastrado por la ladera de una colina, sin la ayuda de efectos especiales y en medio de la selva. Desde el primer momento, muchos tacharon a Herzog de loco por su empeño en llevar a cabo un propósito tan descabellado. El cineasta era consciente de todo esto, pero estaba fascinado con la estampa del barco surcando la jungla y quería que fuera una imagen llena de fuerza, pues en ella residía la gran metáfora de la historia.
Para lleva a cabo tal hazaña, se contó con un ejército de indígenas que, a la vez que hacían de extras, izaban realmente el barco, ayudados por un sistema de grúas y poleas que hacían la tarea más llevadera. Al parecer, el ingeniero brasileño que ayudó a diseñar tal sistema abandonó el rodaje al no querer hacerse responsable de lo que en su opinión sería una catástrofe que costaría muchas vidas. Finalmente, aunque el barco se soltó alguna que otra vez, y el peligro era latente, no hubo consecuencias de gravedad (aunque hay quien sostiene que hubo un par de muertos).

Werner Herzog durante el rodaje

Así pues, se puede afirmar que han existido dos hombres que han transportado un barco por la Selva Amazónica: Uno fue Isaias Fitzcarrald y el otro Werner Herzog, el hombre que hizo una película sobre Fitzcarrald. Paradójico ¿verdad? Sin embargo, no lo hicieron en las mismas condiciones. El auténtico Fermin Isaías Fitzcarrald no hizo pasar una barco de vapor, sino una embarcación más pequeña, que además hizo desmontar en varias partes para su transporte a través de los once kilómetros de selva. Werner Herzog, en cambio, quiso hacer surcar el Amazonas a un barco íntegro de más de 300 toneladas; con lo cual, el rodaje de la película posiblemente supuso una hazaña aún más difícil y descabellada que la propia historia sobre la que trataba.

Por todo esto, la grandeza de Fitzcarraldo no sólo se debe a la propia obra (que es fantástica en mi opinión) sino al hecho en sí de que pudiera ser rodada. Desde luego, su filmación fue una auténtica epopeya llena de anécdotas y situaciones delirantes, muchas de las cuales he obviado, pero que son contadas tanto en Burden of Dreams como en La conquista de lo inútil, el diario que Herzog escribió durante el rodaje.
Cuando uno se hace consciente de todo el tiempo, el trabajo, el dinero y el sufrimiento invertido para, al fin y al cabo, que un cineasta obcecado pudiera captar la imagen de un barco reptando una colina; es imposible no preguntarse ¿Era necesario?
Probablemente no, pero fue la opción estética de un creador que llegó a concebir el acto de hacer cine como un auténtico desafío titánico. Un artista, que, al igual que el protagonista de su obra, hizo lo imposible para conquistar su sueño, aún a sabiendas de que el arte podría ser su única recompensa.

Música de Cine: Alexander Nevsky

En 1938 el gran cineasta ruso Serguei Eisenstein regresaba a la Unión Soviética y estrenaba su primera película sonora: Alexander Nevsky
Como su nombre indica, la cinta retrataba a este heroico príncipe de la Rusia medieval, que contaba entre sus múltiples hazañas la de haber derrotado a los caballeros teutones. Una anécdota muy adecuada para preparar al pueblo soviético ante la inminente guerra con la Alemania nazi.
El caso es que Eisenstein quería que la música fuera un pilar fundamental de la película, y experimentar el efecto que podía causar un montaje sincronizado a la perfección con la pista sonora. Así que contó con nada menos que el célebre compositor Serguei Prokofiev, para quien sería su primer acercamiento al mundo del cine.
Dicha colaboración supuso una de las más revolucionarias simbiosis entre imagen y música en la época, y aún hoy se sigue considerando uno de los grandes avances en la concepción de la banda sonora moderna . Al parecer, Prokofiev componía a raíz de las imágenes brutas que el director le mostraba, y luego Eisenstein montaba las escenas siguiendo el ritmo de la música. El resultado más conocido de dicho método fue La Batalla en el Hielo, un escena cumbre del cine épico, donde imagen y banda sonora se sincronizan para crear un clima de tensión ante la inminencia de la batalla.

La Escena: El Séptimo Sello

Ahora que al parecer falta poco para el fin del mundo, no está de más recordar que esto de poner fecha de caducidad a la humanidad no es nada nuevo. Esta escena de El Séptimo Sello (Ingmar Bergman - 1957), nos muestra el desalentador panorama que sembró la peste negra en Europa durante la Edad Media. Quizás dentro de unos siglos alguien haga una película sobre el caos que causó la prima de riesgo.

El Personaje: Tiburón (007)

Cualquier fan de James Bond recordará sin duda a uno de los más populares asesinos que han poblado el universo 007: Tiburón (Jaws en la versión original)
Encarnado por el enorme Richard Kiel (mide nada menos que 217 cm), y fácilmente reconocible por sus dientes de acero, Tiburón fue la pesadilla de Bond en dos películas protagonizadas por Roger Moore: La espía que me amó (1977) y Moonraker  (1979), amabas dirigidas por Lewis Gilbert.

Aunque carezca de agilidad (tanto física como mental), Tiburón es capaz de destruir casi cualquier cosa con sus dientes; posee una fuerza descomunal, y encima, es prácticamente imposible acabar con él. Da igual que lo arrojes desde un tren en marcha, que lo atropelles, que caiga por una catarata, que le ataque un auténtico tiburón en el agua, que le dispares en la cara, que caiga desde un avión sin paracaídas, o que lo dejes a la deriva en el espacio exterior. Tiburón siempre sobrevive.

La Zona Caliente: Las Petroleras

Si Brigitte Bardot y Claudia Cardinale fueron dos de los mayores mitos eróticos del siglo XX actuando por separado, imagínense el poder de levantar pasiones que podían llegar a tener juntas.
Esta es la premisa y la esencia que hizo posible la película Las Petroleras (Les Petroleuses, 1971 - Christian Jacque), también conocida como La Leyenda de Frenchie King.
Este spaghetti western femenino aparentemente superficial, resulta ser uno de los mejores y más maravillosos homenajes a nuestra condición de mamíferos, evidenciando que nuestra pasión por la lactancia nos acompañará durante toda la vida atizándonos desde el subconsciente. Dicho esto hay que añadir que el guión de esta cinta puede aparentar ser absolutamente irrelevante, y sin embargo, plantea un profundo dilema moral de fondo:
 ¿Los pechos de la rubia, o de la morena?

Jane Russell en El Forajido

Y es que el western siempre ha sido, es y será el género por excelencia de la testosterona, y como tal, nunca le faltaron sus buenas dosis de destape y erotismo.
El gran pistoletazo de salida lo dio Howard Hughes allá por el año 1943 con El Forajido, donde una voluptuosa Jane Russell provocó un enorme revuelo entre el puritanismo americano, que quiso censurar y prohibir la exhibición de la película, debido a la facilidad con que la actriz aireaba sus bien dotados atributos. Una polémica que Martin Scorsese plasmó en una divertida escena de El Aviador.

Es cierto que el cine americano fue desde el principio pionero rompiendo moldes en este sentido, avanzando lenta pero constantemente en la cuestión del vislumbre mamario. Sin embargo, Hollywood siempre concibió a la mujer dentro de la pulcritud, presentándola bien aseada y maquillada incluso frente a las peores adversidades. En contraste, la estética polvorienta, sucia y realista del spaghetti western aportó ya en los años sesenta un cambio de aires. De modo que en Hasta que llegó su Hora, Sergio Leone nos mostraba que cuanto más desgreñada y sudorosa estaba Claudia Cardinale, menos decente parecía, y mayor deseo llegaba a provocar.

Claudia Cardinale en una escena de la película

En Las Petroleras, el poco decoro llega a su máximo apogeo, y tanto la Bardot como la Cardinale acaban apareciendo magulladas, despeinadas, despatarradas, con las ropas rasgadas y abundante transpiración en la zona pectoral.
Para ofrecer un contrapunto a tan inadecuada conducta, el director no duda en presentarnos siempre que puede la otra cara, filmando a las divas también en sus momentos de higiene personal, ya sea dándose una apacible bañito en el río, o en casa con una palangana y una esponja. Pero, eso sí, estando siempre bajo la atenta mirada de algún cowboy con tendencias voyeuristas.
Sin embargo,  el momento culminante de la película es una memorable pelea de gatas entre ambas estrellas del cine europeo, con unas interpretaciones que no pasarán a la historia, pero... ¿a quién le importa?

Nuevo trailer de 'El Hobbit'

Ha llegado ya el nuevo trailer de la próxima trilogía de Peter Jackson, quien tendrá que hacer malabarismos para sacar tanto metraje de un libro de tan sólo trescientas páginas. Por el momento, parece que exprimirá al máximo el potencial cómico que supone tener juntos a doce enanos de la Tierra Media. (Recordemos el partido que le sacó a uno sólo en la trilogía anterior).

Para los más fans de Bilbo y sus amigos, he aquí un enlace a la página oficial de la película, que permite ver diferentes finales alternativos del trailer:

http://wwws.warnerbros.es/thehobbitpart1/index.html

Estreno de la semana: El mundo es nuestro

Tras más de cuatro años de crisis en los que el cine español ha demostrado su absoluta incapacidad para hablar de los problemas que actualmente atañen a la sociedad, se estrena por fin El mundo es nuestro, una acertada comedia llena de sátira social, escrita, dirigida y protagonizada por Alfonso Sánchez.
Como muchos ya conocerán, el germen de este proyecto se gestó en internet con la denominada Trilogía Sevillana, una serie de cortometrajes donde Alfonso Sánchez y Alberto López interpretan a diferentes estereotipos de la sociedad hispalense: el cani, el pijo y el perroflauta. Todo ello cargado de unos estupendos diálogos donde se alterna lo popular y cotidiano con interesantes reflexiones sobre la actualidad. Para quien no los haya visto todavía, he aquí los enlaces:

- Eso es así.
- Esto ya no es lo que era.
- Aquello era otra cosa.

En El mundo es nuestro, seguimos las andanzas de 'el cabeza' y 'el culebra', dos jóvenes de barrio marginal con incontinencia verbal, en su intento de atracar una sucursal bancaria y huír a Brasil a pegarse la gran vida, en vísperas de la Semana Santa Sevillana y en el contexto de esta terrible crisis que ha llenado el país de descontento.

Como dije al principio, el vacío dejado por la cinematografía española a la hora de encontrarse con la actualidad, ha tenido que ser llenada y espoleada por estos nuevos talentos provenientes de internet, que aportan frescura y nuevas ideas; y que han sabido apoyarse en las redes sociales para financiar su proyecto a través de donaciones, un método de moda conocido como crowdfunding. Así pues, el éxito de la película podría revertir en un importante empujón para esta nueva forma de financiar y producir películas, sirviendo de ejemplo a nuevos creadores que no encuentran un hueco en el atrofiado aparato de financianción estatal.
Por todos estos motivos, y porque para sobrevivir a la crisis hace falta saber reírse de ella y de nosotros mismos, no os podéis perder El mundo es nuestro.

La Escena: Cazador blanco, corazón negro

Hace unos días, coincidiendo con todo el revuelo formado en torno a las actividades cinegéticas del monarca, algún que otro canal de televisión no pudo resistir la tentación de emitir Cazador blanco, corazón negro (Clint Eastwood - 1990). Más allá de la polémica, he aquí una inolvidable escena que no tiene nada que ver con la caza de paquidermos.

Estreno de la semana: Grupo 7

Durante los preparativos de la Expo'92 de Sevilla, un grupo especial de la policía tiene la misión de limpiar la ciudad de delincuencia, tráfico de drogas y prostitución. Para ello harán uso de cualquier método a su alcance, llegando incluso a traspasar la frontera de la legalidad.

Tras el escaso éxito de After, Alberto Rodríguez vuelve a tirar del número fetiche que le diera tan buenos resultados en 7 Vírgenes. Pero en esta ocasión nos presenta una especie de Training Day andaluz, donde un joven e inexperto aspirante a inspector tendrá que iniciarse en los bajos fondos de la urbe hispalense de la mano de unos compañeros apegados a la violencia y la extorsión como fundamentos de sus lucha contra el crimen.

Sexto Videoblog de 'El Hobbit"

Como viene siendo costumbre, Peter Jackson vuelve a lanzar un nuevo vídeos sobre el rodaje de su nueva película, El Hobbit, haciendo las delicias de los fans de la obra de Tolkien.

La Banda Sonora alternativa de 'Troya'

En el año 2004 llegaba a los cines Troya, una superproducción dirigida por Wolfgang Petersen, y protagonizada por estrellas como Brad Pitt, Eric Bana, Orlando Bloom, Sean Bean o Peter O´Toole, entre otros.
Independientemente de la opinión que se pueda tener sobre la calidad de la película, lo que aquí nos atañe es la controversia que se generó desde su estreno, y que perdura hasta nuestros días, sobre su banda sonora.
Y es que esta adaptación de la Ilíada supuso uno de los más recientes y conocidos casos en que dos músicos compusieron diferentes bandas sonoras para una misma obra, de modo que, aunque la música que pudimos escuchar en los cines fue concebida por James Horner, inicialmente se había elegido para tal fin a Gabriel Yared, cuya partitura fue rechazada a falta de dos meses para el estreno del filme, cuando estaba ya casi terminada.

Escena con la música oficial

Escena editada con la música rechazada

De origen libanés, Gabriel Yared alcanzó la fama gracias a sus composiciones para películas románticas, especialmente por su estrecha colaboración con el realizador Anthony Minghella, con el que trabajó en Cold Mountain, El Talento de Mr. Ripley, y sobre todo El Paciente Inglés, con la que ganó su único Óscar. De este modo, Troya iba a suponer su primer acercamiento a una gran superproducción de corte épico, lo cual suponía todo un reto.

Yared tras recibir el Oscar

En un principio todo avanzó sin problemas y Yared fue madurando la composición bajo el visto bueno de Wolfgang Petersen, quien estaba entusiasmado y no puso ninguna pega. Sin embargo, dos meses antes del estreno, y sin contar aún con el montaje definitivo, los productores decidieron hacer una pase previo para tantear las opiniones del público. Una práctica que ha sido siempre habitual en Hollywood.

Como ya pueden imaginar, en las encuestas posteriores al pase, los espectadores dijeron que la música no era de su gusto, pues les sonaba demasiado anticuada y clásica. Así que los productores, sin pensárselo dos veces, pusieron a Yared de patitas en la calle. Quedaban sólo dos meses para un lanzamiento que había sido promocionado a bombo y platillo, y tenían que encontrar a alguien que en ese corto lapso de tiempo hiciera toda una nueva partitura. El elegido fue obviamente James Horner,un músico más comercial y previsible, archiconocido por películas como Willow, Titanic, Braveheart, La Máscara del Zorro, y un largo etcétera.

Horner en el estreno de Avatar

Apremiado por la falta de tiempo, Horner no dudo en inspirarse de una manera excesivamente fiel en otros músicos, como por ejemplo Shostakovich, de cuya 5ª sinfonía sacó el logrado tema de Aquiles y los Mirmidones, uno de los mejores de la película.

- Aquiles y los Mirmidones de James Horner.

- 5ªSinfonía Shostakovich (desde el minuto 2:25). 

Pero, sin duda, el mayor referente para Horner no fue otro que fue sí mismo, ya que mucha de la música del filme está basada en sus anteriores trabajos. Algo que se ha ido convirtiendo en una práctica habitual en el compositor californiano, al que muchos le reprochan su falta de creatividad y su reiteración de ciertas fórmulas, como el famoso 'Parabará', con el que ha saturado multitud de películas. Pese a todo, hay que reconocer que consiguió darle a los productores lo que deseaban, una banda sonora más comercial y accesible al público, y todo en un tiempo récord.  - Ejemplo del famoso "Parabará" en diferentes obras de James Horner.  La polémica en torno a la banda sonora de Troya tuvo su punto culminante cuando Gabriel Yared publicó en su página web parte de la música que había podido grabar hasta el momento de su despido, junto con una carta donde explicaba lo sucedido. Esto provocó entre los aficionados todo un afán comparativo entre ambas composiciones, que con la llegada de Youtube culminó en la difusión por internet de secuencias editadas con la música de Yared, dando una visión aproximada de cómo habría podido quedar la cinta si la decisión de los productores hubiera sido otra.

Escena Batalla original

Escena Batalla editada con la música rechazada

Como se puede apreciar, es especialmente destacable la manera en que Gabriel Yared se afanó en potenciar la grandilocuencia de la Guerra de Troya, aportando un tono heroico y de épica desbordante que impregna toda la obra, y que consigue gracias a un fuerte protagonismo de los coros. Una glorificación de lo bélico que está absolutamente justificada tratándose de una adaptación de la obra de Homero.

Pese a que los momentos de acción son el plato fuerte de la banda sonora (y de la película), hay que remarcar también cómo la experiencia del músico libanés en películas románticas se hace notar en las escenas de amor, para las que hace uso de dos temas diferentes, uno para Helena y Paris y otro para Aquiles y Briseida. En contraposición, Horner utiliza un único tema de amor para ambas parejas, que además le sirvió para la canción de los créditos, 'Remember Me',  y que por cierto tiene un gran parecido con la música que David Arnold compuso para  Stargate.

Aunque en general las dos bandas sonoras están bastante diferenciadas, también se hace evidente que en momentos de apuro, Horner no dudó en echarle un vistazo al trabajo de su predecesor. El más claro ejemplo es la escena del duelo entre Aquiles y Héctor, donde vemos una ruborizante similitud entre ambas, tanto en el uso de la percusión, como en el cántico final.

Aquiles vs Héctor Oficial

Aquiles vs Héctor música rechazada

En definitiva, aunque cada uno tiene sus gustos y preferencias, la verdad es que el trabajo de Gabriel Yared obtuvo desde el primer momento el apoyo de la mayoría de los aficionados. Hasta tal punto que incluso existe una iniciativa que trata de recolectar firmas para que se haga una edición en DVD que contenga una pista de audio adicional con esta banda sonora. http://www.petitiononline.com/gyared/petition.html. 

Poder tener la oportunidad de ver la película entera con la música de Yared bien mezclada, y compararla en igualdad de condiciones con la de Horner sería ciertamente gratificador. Pero hasta que eso ocurra, os dejo enlaces a más vídeos, y a la banda sonora completa.

- Escenas con la música rechazada

- Troya de Gabriel Yared. Banda sonora completa

La Fantasía en los 80: El Señor de las Bestias

Al echar la vista atrás veinte años, uno no puede evitar pensar que el cine de los 80 es uno de los grandes culpables de que en los últimos años los gimnasios hayan estado copados por la metrosexualidad. Lo cierto es que fuimos varias las generaciones que nos criamos viendo por la tele bustos musculosos y bien depilados de fornidos muchachotes pegayoyas, muchos de los cuales conforman ahora el reparto de Los Mercenarios 2.

Dentro de este trauma colectivo por aumentar la masa corporal, encontramos el género de Espada y Brujería, cuyas raíces se encuentran en el personaje de Conan el Bárbaro, creado por Robert E. Howard.
Este subgénero de la fantasía caló de lo lindo en el audiovisual ochentero, pues al igual que todo el cine de anabolizantes, fue una fórmula ideal para colar en nuestras pueriles cabecitas pildorazos de ideología neoliberal. Al fin y al cabo, la 'espada y brujería' se basa en el culto al individuo que impone su propia justicia por la fuerza, frente a sociedades sectarias lideradas por malvados brujos que han sorbido el cerebro de sus seguidores.

Por aquellos años hubo una gran proliferación de este género, con alguna que otra de cinta de calidad, y una multitud de películas cargadas de casposismo. Quizás a medio camino entre unas y otras se encuentre El Señor de las Bestias, una cinta de Serie B con pocas pretensiones, pero que tras 30 años, aún puede ser considerada uno de los más acertados exponentes del género.

Dirigida en 1982 por Don Coscarelli, la sinopsis sería la siguiente:

Un malvado hechicero de la 'Orden Jun', secuestra a Dar, hijo del rey, mientras aún se encuentra en el vientre de su madre. Sin embargo, el bebé es encontrado por un campesino, que lo criará en un poblado tranquilo y apartado. Al hacerse mayor, Dar se da cuenta que tiene el don de comunicarse con los animales. Así que cuando los 'Juns', arrasan su poblado y matan a su familia adoptiva, Dar iniciará el camino de la venganza.

Una peculiaridad de esta cinta es que su actor protagonista, a diferencia de otros héroes de la época, no estaba especialmente anabolizado, y mantenía una musculatura más realista. Me refiero, como no, a Marc Singer, actor canadiense con una carrera poco fructífera, pero que es bastante recordado por su papel en la serie V, los Visitantes.

Siguiendo con el reparto, no podemos olvidar a la preciosa Tanya Roberts, que ya en su primera aparición en la película se nos muestra en todo su esplendor mamario, mientras se baña en un río junto a una amiga. Una acertada presentación del personaje, dado que la función de Tanya durante el metraje se limita a poco más que mantener bien afilada la espada del héroe.
No obstante, he de reconocer que esta fue una de las escenas que me motivó a ver una treintena de veces El Señor de las Bestias; y con la que descubrí, a muy temprana edad, lo decepcionante que resultaba el Pause en el VHS como método para congelar la imagen.

Pero los personajes que realmente dan un toque especial a la película, son los animales: Ru, la feroz pantera negra que despedaza malvados con sus garras y colmillos. El águila, que vigila desde las alturas y realiza hazañas como rescatar niños de terribles sacrificios. Y sobre todo, Codo y Podo, dos pequeños y traviesos roedores que roban la ropa interior a las chicas, y que fueron en gran medida culpables del gran boom que hubo por instaurar el hurón como animal doméstico.
Cabe destacar también la banda sonora de Lee Holdridge, que es decentita y consigue enfatizar el tono épico y aventurero de la trama.

- Tema principal de la banda sonora

En definitiva, El señor de las Bestias es un entretenidísimo producto 'Pulp', que en su momento arrasó en los videoclubs, y con la que los niños de la época disfrutamos como auténticos 'hurones'.

Por último, quiero advertiros que la película cuenta con dos aberrantes secuelas, cada una peor que la anterior, y que hacen parecer a la original como una auténtica obra maestra. Sólo deciros que en la segunda parte el héroe encuentra una puerta que le transporta en el tiempo hasta la ciudad de Los Ángeles en plenos años noventa. Y la tercera es un subproducto de tan bajo nivel que podría competir con los Power Rangers.

- Trailer El Señor de las Bestias 2: La Puerta del Tiempo (1991)
- Trailer El Señor de las Bestias 3: El ojo de Braxus (1996)

La Escena: Desfile de Moda Eclesiástica

Perteneciente a la película Roma (1972); Federico Fellini nos ofrece una de las más mordaces e ingeniosas críticas hechas por el cine a la Iglesia católica.
No tiene desperdicio.

Un rodaje de 'locos': Aguirre, La Cólera de Dios

Hacer una película nunca se ha considerado una tarea sencilla, pero si hay dos nombres indiscutiblemente asociados a rodajes delirantes y esperpénticos, son sin duda Werner Herzog y Klaus Kinski, cuya primera colaboración fue el largometraje Aguirre, La Cólera de Dios (1972)

Kinski, que falleció en 1991, era un actor alemán con un temperamento diabólico, que sufría arrebatos de ira incontrolados, además de padecer coprolalia: enfermedad que le hacía proferir obscenidades sin poder refrenarse. En 1999, Herzog hizo un documental sobre Kinski, Mi Enemigo Íntimo, donde resaltó lo mejor y lo peor del actor, al que llega a definir como egomaníaco.

He aquí un fragmento del documental.

Visto lo visto, parece bastante cierto que Kinski no estaba muy bien de la cabeza, pero hay que decir que Herzog no se queda muy atrás. Y aunque el director siempre ha tenido un carácter sosegado y tranquilo, su propia personalidad se vislumbra en los personajes que protagonizan sus películas:
"Megalómanos excéntricos, incomprendidos por la sociedad, y obsesionados con ambiciosos y delirantes proyectos abocados a la locura o al fracaso".
Kinski acusaba a Herzog de ser también un megalómano, enamorado de sí mismo y de su arte, que no dudaba en poner en peligro a los demás para llevar a cabo sus descabellados rodajes.

Con un actor y un director de tales características, resulta coherente que la película tratase sobre un controvertido personaje histórico, considerado un 'loco' por muchos: Lope de Aguirre.
Este conquistador español participó en una de las expediciones más lunáticas de la historia, la búsqueda de El Dorado por la Selva Amazónica en el siglo XVI. Aguirre se amotinó y asumió el poder en la expedición, llegando a desafiar por carta a Felipe II, y autoproclamándose príncipe de Peru, Tierra Firme y Chile.

En el corazón de las tinieblas

Así pues, Herzog, que no es muy amigo de los platós ni de los artificios, se plantó con su equipo en pleno Amazonas peruano, donde durante dos meses tuvieron que vivir prácticamente en balsas. Según cuenta Kinski en su diario, apenas tenían medios y tuvieron que sufrir picaduras de mosquitos, fiebres, dientería, agotamiento y hambre.

Al parecer, Herzog estaba tan obsesionado con dotar del máximo realismo a su película, que les hacía pasar todo tipo de penalidades para que llegaran a la extenuación y así resultaran más convincentes sus interpretaciones. Con lo que algunos acabaron incluso bebiendo agua del río, mientras el director y su jefe de producción acaparaban para sí la mayoría de alimentos y agua.

Una de las jornadas más duras del rodaje lo narra kisnki de la siguiente manera:

  “Hoy, a las tres de la madrugada, nos despiertan brutalmente en nuestras balsas. Nos dicen que no hay tiempo para desayunar, ni siquiera para tomar un café, y que vamos a navegar sólo veinte minutos, hasta el próximo poblado indio a la orilla del río. Allí, dicen, nos darán de todo. Pero los supuestos veinte minutos se convierten en dieciocho horas. Como siempre, Herzog nos ha mentido.

Con las cabezas metidas en los pesados cascos de acero, que el sol lacerante calienta hasta tal punto que nos quemamos, pasamos el día entero sin techo y sin la menor sombra, sin comer ni beber, sometidos al calor más implacable. La gente va cayendo como moscas. Primero las chicas, luego los hombres, uno detrás de otro. La mayoría tienen las piernas llenas de pus e hinchadas hasta la desfiguración por culpa de las picaduras de mosquitos.

Cuando, al atardecer, llegamos por fin a un poblado indio, resulta que está en llamas. Herzog lo ha hecho incendiar, y hambrientos y medio muertos de sed, tambaleándonos de agotamiento de dieciocho horas de calor infernal, tenemos que atacar el poblado indio directamente desde las balsas, tal como ordena el estúpido guión.”

En tales circunstancias, cualquiera puede hacerse una idea de cómo acabó siendo la relación de Kinski con Herzog. El actor empezó a albergar un profundo odio hacia su director, y no permitía que se le acercara ni que le dirigiera la palabra, soltando una cantidad ingente de insultos cada vez que lo veía.
La cosa llegó a tal extremo que un día Kinski amenazó con marcharse del rodaje y el director le dijo que si lo intentaba, le mataría pegándole ocho tiros, y suicidándose después. Kinski aceptó el desafío y lo estuvo esperando esa noche en su balsa con un rifle preparado, pero al final Herzog le pidió perdón y siguieron el rodaje.

Kinski agrediendo a Herzog durante el rodaje de Cobra Verde (1987)

Finalmente, toda esa tortura obtuvo sus frutos. Aguirre, La Cólera de Dios se convirtió tras su estreno en un éxito que a dió a conocer a Herzog en todo el mundo, y consagró a su actor principal como un genio de la interpretación. La película llegó a influenciar incluso al mismísimo Francis Ford Coppola, a quien Aguirre le sirvió de inspiración para hacer Apocalypse Now (1979).

Pero a Kinski le costó olvidar los sucedido, y se pasó varios años sin querer hablar con el realizador. Nadie hubiera dicho entonces que volverían a trabajar juntos, y sin embargo, no sólo acabaron realizando cinco películas juntos, sino que a principio de los ochenta volverían al Amazonas para trabajar en Fitzcarraldo. Un rodaje que llegó a ser aún más delirante si cabe que el de Aguirre, en el que llegaron a verse situaciones de un surrealismo sin precedentes en la historia del cine, y sobre el que escribiré próximamente.

El Personaje: El Milagroso Max

Ahora que Billy Crystal ha vuelto a estar en boca de todos al reincidir como maestro de ceremonias en los Oscars, no viene mal acordarse de uno de los personajes más entrañables y variopintos que ha interpretado: El Milagroso Max.

Este cínico y avaricioso curandero protagonizaba junto a su espantosa mujer una de las secuencias más memorables y disparatadas de La Princesa Prometida (Rob Reiner - 1987)

- Pincha para ver la secuencia.

Música de Cine: Korngold, maestro de la fanfarria

'John Williams no inventó la música de cine'.
Sé que esta afirmación puede parecer evidente, pero creo que es importante recordarlo, ya que muy a menudo se han dejado en el olvido a excepcionales compositores que le precedieron y que, de hecho, le sirvieron de inspiración.

Este es el caso del gran Erich Wolfgang Korngold, de quien sí se puede afirmar que en gran medida fue el creador de la música de hollywood, ya que fue uno de sus pioneros, junto a Max Steiner.

He aquí una muestra de uno de sus mejores trabajos para cine: El Halcón del Mar (Michael Curtiz-1940)

La influencia que sus fanfarrias han ejercido en compositores posteriores como John Williams o Jerry Goldsmith ha sido tanta, que hoy en día sus bandas sonoras pueden parecernos bastante típicas. Sin embargo, en los años 30, la épica y grandeza con la que esta música envolvía las imágenes, supuso toda una revolución en las salas de cine, y su estilo marcó la pauta del posterior sonido Hollywoodiense, especialmente en el género de aventuras.

- Comparación entre Star Wars de Williams y King´s Row de Korngold.

Cuando Korngold comenzó a colaborar con el cine ya tenía una reputación como compositor y concertista en su Austria natal, por lo que el mero hecho de incluír su nombre en los títulos de crédito otorgaba a las producciónes un gran prestigio.

Sin embargo, el cine sólo fue algo secundario en su carrera. De hecho, su padre, que era el más reconocido crítico musical de Viena, nunca vió con buenos ojos que su hijo malgastara su talento con las bandas sonoras. Poco antes de morir, le pidió que dejara definitivamente el cine y se dedicara sólo a la música seria, lo cual supuso el fin de una de las mayores aportaciones musicales al séptimo arte.

He aquí algunos de sus trabajo más famosos. (Pinchad para escucharlo)

- Las aventuras de Robin Hood (1938 - Michael Curtiz, William Keighley)
- El Capitán Blood (1935 - Michael Curtiz)
- El príncipe y el mendigo (1937 - William Keighley)
- Juarez (1939 - William Dieterle)

The Artist: Bofetada a la industria del cine

¿Cómo? ¿Todavía no han visto The Artist? Pues deje de leer ahora mismo. Apague el ordenador y vayase pitando al cine más cercano.

Si ha vuelto ya del cine, se habrá dado cuenta de por qué el film de Michel Hazanavicius  ha sido el fenómeno del año, y tiene muchas posibilidades de dar la campanada en los Oscars. Y no es para  menos, porque en un momento donde la postmodernidad campa a sus anchas, y directores como Scorsese o Spielberg  acuden al 3D intentando innovar y abrir nuevas vías de espectáculo, The artist ha apostado por una fórmula diferente: 'Cuando todo el mundo trata de ser moderno, lo más transgresor puede ser volver a los orígenes.'
Para sorpresa de muchos, la película ha conseguido un gran éxito de crítica y taquilla, y eso pese a ser un film mudo. O, por el contrario, debido precisamente a ello.

The Artist cuenta la historia de George Valentin (Jean Dujardin), un célebre actor de cine mudo que con la llegada del sonoro y el Crack del 29 cae en desgracia. En cambio, una discreta actriz, Peppy Miller (Bérénice Bejo), que se introdujo en la industria de la mano de Valentin, al que admira, se convierte en la nueva estrella y tratará de hacer que el actor vuelva al cine.
Como es evidente, esta historia, narrada de forma emotiva, directa y sencilla, ha calado de lo lindo en una sociedad que se ve claramente reflejada en el declive de George Valentin, y su incapacidad de adaptarse a una modernidad que rechaza.

Pero yendo más allá, y dado el fuerte carácter metalingüístico de la cinta, es inevitable relacionar su discurso con la actual situación de la industria cinematográfica y su confrontación con el implacable avance de internet. Y es que, en su lucha contra 'la red', el séptimo arte ha vuelto a encauzar la misma actitud hostil que ya tuvo frente a la televisión. Algo que sólo ha ido desembocando en una paulatina degradación del arte cinematográfico en su afán por conseguir una espectacularidad que lo diferencie de los medios competidores.
Al igual que George Valentin, gran parte de la industria cinematográfica actual se va hundiendo en las arenas movedizas de su propio orgullo, extendiendo cheques que costeen exóticas aventuras cada vez más carentes de contenido. Todo para negar la evidencia de que 'todo debe cambiar para que nada cambie'.

Parece paradójico que en una obra que habla sobre la adaptación a los cambios, Hazanavicius haya elegido un formato tan aparentemente obsoleto como es el cine mudo. Sin embargo, este artificio no sólo sirve para impactar, sino que es coherente con lo que cuenta la película, complementando y completando su discurso de forma muy ilustrativa.
The Artist se desnuda como una forma de volver a los orígenes, a su esencia, y demostrar que el futuro no puede limitarse sólo a la tecnología. Pues la clave no está en internet, ni en las tres dimensiones, ni en la alta definición, ni tan siquiera en el sonido. Al final, lo único que hace grande al cine es contar una buena historia y saber contarla bien. Y todo lo demás debe subordinarse a ello.

En definitiva, la película le propina una bofetada a la industria del cine para que que reaccione, y vuelva a ser consciente de que hay que adaptarse a los cambios, pero sin olvidar nunca dónde reside su auténtico valor.
De este modo, tanto al cine como a la totalidad de la sociedad, se les da la opción de seguir los pasos del personaje de Peppy Miller, que mientras se hacía un hueco en la modernidad, trataba de arrastrar consigo las mejores cualidades de quien le precedió.

Santos Trinidad arrasa en los Goya

No habrá paz para los malvados se convirtió anoche en la triunfadora de los Premios Goya con seis galardones, incluyendo mejor actor, mejor director y mejor película.
Merecida recompensa para el trabajo de Enrique Urbizu y José Coronado por su creación de un personaje como Santos Trinidad, uno de los cabrones más fascinantes que ha dado el cine español.

En 2011 hemos sido testigos de cómo, mientras El Capitán Trueno se ahogaba con sus 10 millones de euros de presupuesto, el film de Urbizu cosechaba alabanzas y atraía miradas. Bastaba con ver un breve anuncio en televisión para quedar intrigado por ese 'cowboy' de ciudad, de aspecto desgreñado, mirada fría y conducta cuanto menos dudosa al que interpreta Coronado.  Y es que, ciertamente, en España siempre fuimos más de antihéroes que de héroes.

El Personaje: Salacious B. Crumb

Todo aquel que haya visto El Retorno del Jedi (Richard Marquand - 1983) seguramente recordará con cierto asco y desprecio a este personaje: Salacious B. Crumb, que trabajaba como bufón en la corte de Jabba el Hutt. Y es que Salacious siempre desplegaba su horrible risa chillona cuando la desgracia parecía cernirse sobre los protagonistas de la saga galáctica.
Pese a su pequeño tamaño, este mono-lagarto kowkiano simpre me ha parecido uno de los bichos más repugnantes, crueles y sádicos que han poblado el universo de George Lucas.

- Recopilación con los mejores momentos de Salacious B. Crumb.

A Reivindicar: El muelle de las brumas

Hace años, un profesor de Hª del Cine se empeñó en ponernos en clase una película en francés, en versión original y sin subtítulos, pues la película no estaba editada en España. Como es lógico, la gente ese día salió huyendo en desbandada, salvo unos pocos que nos quedamos. Yo de francés ando más bien escaso, y reconozco que no me enteré de la mayoría de los diálogos de la película. Sin embargo, me encantó.

Me refiero al film de Marcel Carné  El muelle de las brumas (Le quai des brumes), realizada en 1938 y protagonizada por Jean Gabin, Michel Simon y Michèle Morgan, que narra una trágica historia de amor entre un desertor del ejército y una joven que vive atemorizada por su tiránico tutor.

Perteneciente al llamado realismo poético francés, es una obra llena de lirismo, cuyas imágenes están dominadas por esa bruma espesa de la que habla su título. Los actores están maravillosos, hasta el punto que puedes disfrutar de los diálogos aún sin enterarte de nada (es lo que tiene el francés, que siempre suena bonito); y por si fuera poco, la película contiene uno de los mejores besos de cine que he visto. 
Por cierto, la banda sonora es una delicia, compuesta por Maurice Jaubert.

- Fragmento de la banda sonora de Maurice Jaubert.

Parece ser que ya hay una edición en dvd en España. Así que esta misma semana iré en su búsqueda para poder, al fin, verla y escucharla en condiciones.